He de confesar que aunque me gustan la animación (en todas sus maravillosas variantes) y la ilustración, el genérico anime no es algo de lo que sea fanático, así que la elección de haber visto esta cinta en Sitges 2001 obedeció más a experimentar con el género, y a ver el grado actual de desarrollo de este tipo de conceptos: fue una buena -maravillosa- decisión.

Metrópolis es una obra maestra en su clase, y creo que será reconocida como una de las mejores cintas anime -y de hecho, una de las mejores animadas- que se han hecho a la fecha, no por el detalle de las ilustraciones o por los dibujos mismos, sino por toda la serie de elementos que presenta, y el grado de creatividad y de mezclas que consigue.

Basada en el manga (¡de 1949!) del fallecido Osamu Tezuka (uno de los padres del manga y el anime), Metrópolis en una historia donde el futuro es una opción poco agraciada en muchos sentidos. Con una base de ciencia ficción muy clara, una ciudad-estado del futuro (como las de las Fundaciones de Asimov, o el Episodio I) es gobernada por élites privilegiadas, y la estructura de clases incluye tanto niveles humanos como robots y androides, que no hacen más que trabajar para los hombres. El líder supremo del sistema, Duke Red, tiene una idea para controlar mucho más que el planeta-estado, y es aquí donde una hermosa androide hace aparición para determinar el curso de esta idea megalómana... El detective Ban y su compañero, el joven Ichi buscarán al Dr. Laughton, responsable de la creación de Tima, la androide antes mencionada, al mismo tiempo que Rock, un policía anti-robots quiere eliminarla, y es así como los hilos que unen a todos los personajes se cruzan en un laberinto que nos hace recorrer los distintos niveles de la ciudad-estado, y las emociones involucradas en las motivaciones de cada uno de ellos.

El director es Rintaro (Hayashi Shigeyuki), uno de los animadores más famosos de Japón, y un colaborador de Tezuka (ellos hicieron a Astro Boy y Kimba el león blanco), y el guión es de Otomo Katsuhiro, famoso por la legendaria Akira, de la que fue director, de modo que pueden ver la calidad que respalda el proyecto. La inversión estimada es de 12.5 millones de dólares, y el trabajo representa 5 años de esfuerzos y de animación. Los conocedores afirman que aunque hay cambios obvios en el paso de manga a anime, la adaptación tiene todo el espíritu de Tezuka..

Antes de que lo pregunten: la relación con la cinta de Lang está sólo en el título, y quizá en la alusión a la urbe, y en la existencia de una mujer robot; las esencias narrativas de revolución y clases reconciliadas no es algo coincidente ni hay tal aspiración o relación alguna con la cinta clásica.

Metrópolis sí habla de poder y opresión, de movimientos y cambios, pero habla más de la identidad y las motivaciones, de la frontera, de la capacidad de un androide de amar (algo ya visto en cintas como I.A. o Blade Runner). Tima nace en un contexto extraño, donde no pertenece, y la búsqueda de lo que es y lo que está destinada a ser es uno de los soportes de la película entera. Tima es la esencia y el poder de crear... o de destruir, y ese amor tendrá problemas al tratarse de fuerzas que pueden llevar un imperio a su nacimiento o su muerte.

El arte de la cinta, como todo manga y anime es una cosa extraordinaria: los dibujos aluden a la técnica antigua (no se trata de ilustraciones modernas, sino de las clásicas que vi de niño), y combina escenarios 3D de última generación, lo que resulta agradable; el detalle en los fondos y el diseño de los ambientes es una mezcla de color y de texturas sorprendente, y un ejemplo majestuoso de lo que significa este arte concreto en Japón y entre los seguidores.

La música es, por ponerlo en una palabra, deliciosa: el padre del compositor, Honda Toshiyuki era crítico de jazz, y el resultado es un tributo y una muestra de talento del hijo jazzista: Jazz Dixieland clásico como base (música de los 20s), una dosis energética en consecuencia.

Si les gusta el jazz la experiencia será una maravilla por duplicado, algo tan impactante como la parte visual... el jazz es clásico en algunas partes (pocos instrumentos) y orquestado en otras, lo que significa una mezcla más que selecta, y una opción magistral... La música de la secuencia final, Ray Charles cantando I can't stop loving you, mientras la parte visual es poderosa hasta decir basta, será algo recordado y un emblema legendario...el coro gospel y la mezcla de colores es algo memorable, exquisito...

Vi la película en japonés, lo que es ya una experiencia en si mismo, pero creo que es la mejor opción para entender los simbolismos cuando no se es experto en el género: ir más allá de las breves explicaciones de los textos para encontrar significados en los escenarios, los personajes, las atmósferas y las emociones provocadas...

Belleza, magia, poder, amor, misterio, y gran gran música y visuales... ¿qué más se puede pedir?...

Si tienen la oportunidad de verla, ya sea para experimentar, disfrutar, o conocer una cinta que será base de comparación de cine futuro, no se pierdan la oportunidad...

Buena -maravillosa- experiencia en total; Saludos...